Nature morte - photomontage

Ballade en automne, peinture au couteau de Leonid Afremov

Leonid Afremov (né en 1955) est un peintre biélorusse. Ses peintures représentent souvent des paysages, des villes ou des personnes aux couleurs très vivaces. Il utilise de la peinture à l'huile et peint au couteau. Sur Youtube, vous avez la possibilité de le voir à l’œuvre, vous offrant une leçon de peinture au couteau sur le thème du coucher du soleil. Deux couteaux, un grand pour dessiner le fond de la toile, un petit pour les détails, le soleil, les reflets et finalement les bateaux. Debout, selon un même mouvement horizontal du bras droit,  il applique la peinture à l’huile préparée sur la palette de couleurs. Après chaque application, il déchire un morceau de papier toilette qui lui sert à nettoyer le couteau, et recommence avec une autre couleur. Le tout, exécuté sur un fond musical des années 60 !

L'automne en moyenne montagne

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Village alsacien, dessin numérique

Le lac Wakatipu de la Nouvelle-Zélande

Le lac Wakatipu est l'un des nombreux lacs de Nouvelle-Zélande. Il est situé sur l'Île du Sud, au sud-ouest d'Otago, non loin de la frontière avec le Southland. Wakatipu provient du mot māori Whakatipu wai-māori. Il est le plus long lac de Nouvelle-Zélande avec une longueur de 80 km, et le troisième plus grand avec sa superficie de 291 km2. Il est le troisième ou quatrième lac le plus profond de Nouvelle-Zélande avec une profondeur estimée entre 378 m et 420 m, soit environ 100 m sous le niveau de la mer. Il est situé en bordure des Alpes du Sud, à une altitude de 310 m. Sa forme générale ressemble à un N inversé. La rivière Dart se jette dans l'extrémité nord. Le lac s'avance vers le sud sur 30 km puis tourne à angle droit vers l'est, se poursuit sur 20 km et tourne de nouveau à angle droit et se termine enfin 30 km plus au sud, près de Kingston. Le lac est drainé par la rivière Kawarau au niveau de Frankton, 8 km à l'est de Queenstown. Queenstown est construite sur la berge nord du tronçon central, à l'endroit où le lac se courbe vers le sud. La beauté des paysages montagneux environnant a rendu le lac célèbre. La chaîne des Remarkables est située le long du flanc sud-est. Le lac est une destination prisée pour le tourisme d'aventure grâce à ses nombreuses activités et sports d'extérieur : ski, parapente, saut à l'élastique, randonnée pédestre. Un vieux bateau à vapeur, le TSS Earnslaw parcourt régulièrement ses eaux. La région comporte également plusieurs vignobles.

Paysage d'automne

Le Pointillisme et Paul Signac

Le pointillisme (ou néo-impressionnisme) est un courant artistique issu du mouvement impressionniste qui consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu et vert) et de couleurs complémentaires (orange, magenta, jaune). On perçoit néanmoins des couleurs secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement. Cette technique a été créé au XIXe siècle par Georges Pierre Seurat et Paul Signac. À la fin du XIXe siècle, le jeune artiste Georges Seurat admire la technique picturale qui consiste à traduire l'espace et la lumière par la juxtaposition de « petites touches ». Seurat a lu les études sur la lumière des physiciens James Clerk Maxwell, Eugène Chevreul, Ogden Rood, Hermann Ludwig von Helmholtz et de son ami Charles Henry (directeur du laboratoire de physiologie des sensations à l'École pratique des hautes études, commentateur de Léonard de Vinci et de Léon Battista Alberti). Ainsi, en 1890, après une longue et complexe élaboration, Seurat écrit en tête d'un mémorandum « La pureté de l'élément spectral étant la clef de voûte de ma technique... ». Il a enfin théorisé sa technique qui consiste donc à juxtaposer des petits points de peinture en utilisant des couleurs pures ou complémentaires, après avoir fait une étude de la composition à réaliser. La diffusion du néo-impressionnisme Le terme de « néo-impressionnisme » est employé pour la première fois en 1886 par le critique d'art Félix Fénéon. Autour de Seurat se crée un petit groupe réunissant des adeptes de sa technique : ils créent la Société des artistes indépendants en 1884. On trouve aux côtés de Seurat, Paul Signac, Camille et Lucien Pissarro pour les plus célèbres. Après la mort de Seurat en 1891, Paul Signac (1863-1935) prend la tête du mouvement. Le style évolue, les artistes peignent avec des touches de taille plus importantes. Ce mouvement prend fin dans les dernières années du XIXe siècle, mais son influence se ressent par la suite chez les fauves jusqu'aux expressionnistes allemands et aux sources de l'abstraction avec les premières œuvres de Wilhem Morgner ou de Vassily Kandinsky. Au début du XXe siècle certains artistes comme Henri Matisse, Édouard Vuillard, Paul Klee, Robert Delaunay s'inspirent du néo-impressionnisme. Théorie Lorsque le tableau est regardé à une certaine distance, les points de couleur ne peuvent être distingués les uns des autres et se fondent optiquement les uns aux autres. L'aspect visuel obtenu est différent de celui obtenu en mélangeant des couleurs sur une palette et en les appliquant ensuite sur la toile. Certains décrivent le résultat comme plus brillant ou plus pur car le mélange est réalisé par l'œil et non par le pinceau. L'explication pourrait être liée aux théories sur l'additivité et la soustractivité des couleurs : habituellement, lorsque des couleurs sont produites par un mélange de pigments, la soustractivité joue (chaque pigment absorbe un ensemble de fréquences du spectre lumineux, le mélange des pigments renvoie l'ensemble des fréquences non absorbées). Ainsi, mélanger des pigments de cyan, de magenta et de jaune (les couleurs primaires soustractives) produit une couleur proche du noir. En revanche, lorsqu'on mélange des couleurs produites par des sources de lumière, c'est l'additivité qui joue son rôle : le mélange de faisceaux lumineux des trois couleurs rouge, vert et bleu produit une lumière proche du blanc puisque l'ensemble des fréquences visibles se trouve représenté. Les écrans de télévision, par exemple, utilisent ce système.(extraits Wikipedia).
Place de Clichy Paris, 1888 - Paul Signac

Springboks et zèbres autour d'un point d'eau (Namibie)

Le Springbok (du néerlandais antilope sauteuse), est une gazelle d'Afrique méridionale dont le nom afrikaans signifie « antilope à ressort », de par son aptitude à exécuter de grands bonds, lorsqu'il est poursuivi par un prédateur. Tout un symbole en Afrique du Sud, où le springbok est l'animal fétiche de l'équipe nationale de rugby. Il est également présent en Namibie, au Botswana et en Angola. Les springboks sont des animaux gracieux, brillamment colorés et élancés. Ils ont une taille moyenne de 80 cm à l'épaule, les mâles étant légèrement plus grands que les femelles. Les cornes en S du mâle mesurent de 35 cm à 50 cm, les cornes de la femelle sont plus fines, plus droites et plus courtes. De couleur fauve, une bande brune traverse ses flancs, la face ventrale est blanche et sa petite tête claire paraît maquillée ; une barre brune part de la base des cornes et traverse l'œil pour se terminer entre les naseaux et la bouche. De forme élancée, le springbok est fin et léger avec de longues pattes fines et des sabots frêles, serrés et très pointus (Idéal pour la course). Cette gazelle a la particularité d'avoir des muscles spécifiques en forme de ressorts au niveau des cuisses lui permettant d'atteindre des sauts jusqu'à 4 mètres de haut et 15 mètres de long ! Le springbok vit en troupeau de quelques individus à plusieurs centaines, voire des milliers, dans des régions chaudes et sèches et doit donc économiser l'eau de son corps. Pour cela, son pelage coloré (fauve, brun, blanc) réfléchit les rayons du soleil, régulant ainsi sa température corporelle. Le springbok peut vivre aussi dans les déserts de sables chauds et arides, comme le Kalahari et le Namib, ou dans les steppes et les savanes herbeuses. Aujourd'hui, le springbok est l'antilope ou la gazelle la plus abondante, grâce aux nombreux parcs nationaux et réserves sud-africaines. Sa population n’a fait qu’augmenter au cours de ces 20 dernières années et l’espèce n’est plus menacée.
Springboks & zèbres autour d'un point d'eau (Parc national d'Etosha en Namibie - 2013)

Brumes d'automne

Machu Picchu, ancienne cité Inca au Pérou

Machu Picchu est une ancienne cité inca du XVe siècle au Pérou, perchée sur un promontoire rocheux qui unit les monts Machu Picchu et Huayna Picchu sur le versant oriental des Andes centrales. Le site se trouve au début de la forêt amazonienne situé au Pérou (province d'Urubamba), à cent trente kilomètres de Cuzconote. Selon des documents du XVIe siècle, Machu Picchu aurait été une des résidences de l’empereur Pachacutec. Cependant, quelques-unes des plus grandes constructions et le caractère cérémonial de la principale voie d’accès au llaqta démontreraient que le lieu fut utilisé comme un sanctuaire religieux. Les deux usages ne s’excluent pas forcément. En revanche, les experts ont écarté l’idée d’un ouvrage militaire. La ville sacrée Machu Picchu, oubliée pendant des siècles, est considérée comme une œuvre maîtresse de l’architecture inca. Elle fut dévoilée au monde par l’archéologue américain Hiram Bingham, professeur assistant d'histoire de l'Amérique latine à l’Université Yale. Ses caractéristiques architecturales et le voile de mystère que la littérature a tissé sur le site en ont fait une des destinations touristiques les plus prisées de la planète. Depuis 1983, le site est sur la liste du Patrimoine mondial de l'UNESCO. Le 7 juillet 2007, Machu Picchu a été désigné comme l’une des sept nouvelles merveilles du monde par la NewOpenWorld Foundation, un organisme non officiel et à caractère commercial. Enfin le site fait partie de tout un ensemble culturel et écologique connu sous le nom de « Sanctuaire historique de Machu Picchu ». De par sa richesse architecturale, le Machu Picchu est l'un des sites archéologiques les plus importants de l'Amérique latine. D’après les archéologues, le Machu Picchu est divisé en deux grands secteurs : la zone agricole formée par un ensemble de terrasses de cultures qui se trouve au sud ; et la zone urbaine qui est celle, on le suppose, dans laquelle vivaient ses occupants et où se déroulaient les principales activités civiles et religieuses. Cette zone urbaine comprenait le quartier sacré, le quartier populaire et le quartier des nobles et des ecclésiastiques. (extraits Wikipedia)

André Derain, artiste peintre français

André Derain, né le 10 juin 1880 à Chatou, (Yvelines) et mort le 8 septembre 1954 à Garches (Hauts-de-Seine) peintre français, est l'un des fondateurs du fauvisme. Il fut peintre de figures, portraits, nus, paysages, marines, natures mortes, peintre à la gouache, aquarelliste, pastelliste, peintre de décors de théâtre, sculpteur, graveur, illustrateur. André Derain entre à l'Académie Camillo avec Eugène Carrière, un ami de Pierre Puvis de Chavannes. Il rencontre Henri Matisse au Louvre où il effectue des copies. En 1900, il rencontre Maurice de Vlaminck dans un train, avec qui il devait partager un atelier. Il commence à peindre ses premiers paysages. Autodidacte, il fréquente beaucoup les musées et nourrit sa réflexion esthétique d'un grand nombre de lectures (Zola, Nietzsche…). À l'influence déterminante de Van Roosbergue qu'il découvre en 1901, s'ajoute celle des néo-impressionnistes et surtout de Paul Cézanne. Il rejoint Matisse à Collioure en 1905 et à cette occasion définit le style qui le fera connaître du grand public : couleurs vives, dessin simplifié, composition claire. Il est alors considéré comme un des meilleurs représentants du fauvisme. En 1906 et 1907, il est bouleversé par les Arts primitifs et, en étroite relation avec Matisse, il poursuit sa réflexion sur les liens entre décoration et expression. Il s'intéresse aux arts décoratifs : céramique, bas-reliefs en bois, sculpture. Il réalise de grands panneaux sur le thème de l'âge d'or, de la danse ou des baigneuses. Après 1906, il semble influencé par Paul Gauguin, ses couleurs deviennent moins vives. Mais l'année suivante il fréquente le Bateau-Lavoir, rencontre Picasso et Matisse avec lesquels il voyage à Barcelone en 1910, Braque, Apollinaire, Kees van Dongen et Max Jacob. Il découvre et collectionne ce que l'on a appelé l’Art nègre et il semble, un temps, suivre l'influence de Picasso, mais ne va pas au-delà du pré-cubisme et finalement rompt avec lui après 10 ans de relations amicales. (extraits Wikipedia)
Les Arbres - 1906

Chevaux arabes blancs

Le cheval arabe et le pur-sang arabe, lignée pure élevée principalement par les bédouins, forment une race chevaline de selle originaire du Moyen-Orient. Avec sa tête très typée et son port de queue relevé, l'arabe fait partie des races les plus facilement identifiables. Il est souvent cité comme le « plus beau cheval du monde ». C'est aussi l'une des races les plus anciennes qui soient, des fouilles archéologiques ayant prouvé que des chevaux caspiens, très proches physiquement de l'arabe, vivaient en Mésopotamie dès la plus haute antiquité. Au cours de l'histoire, les chevaux arabes ont quitté leur Moyen-Orient natal pour gagner d'autres régions à l'occasion de guerres ou d'échanges commerciaux. Ils sont utilisés en croisement pour apporter de la vitesse, de l'endurance, de l'élégance et des os solides aux autres races de chevaux. On trouve désormais des arabes dans la plupart des élevages modernes de chevaux de selle. Le cheval arabe vit traditionnellement sous un rude climat désertique qui le rend apprécié par les peuples nomades bédouins, allant jusqu'à partager la tente de leur famille avec lui. Cette relation étroite a forgé une race de bonne nature, intelligente et toujours prête à apprendre, qui a développé une grande endurance et une résistante exceptionnelle à l'effort prolongé du fait de son utilisation à la guerre. Le cheval arabe est réputé être l'une des meilleures montures en compétitions d'endurance, mais il peut être monté pour tout type de compétition équestre. Ces chevaux sont désormais répandus dans de très nombreux pays à travers le monde et sur les cinq continents. (extraits Wikipedia)

Fauteuils de plage à Sylt au nord-ouest de l'Allemagne

Nous sommes en Mer du Nord, à Sylt, sur l’une des îles de la Frise du Nord-Ouest de l’Allemagne, la plus huppée, fréquentée par la Jet set de Hambourg la ville la plus proche mais aussi par celle venue de tout le pays. Depuis plusieurs décennies, grâce à l’élévation du niveau de vie, les classes moyennes sont de plus en plus nombreuses à venir y séjourner.  La réputation de l’île n’est plus à faire, il n’y a pas un allemand qui ne connait pas Sylt, leur St Tropez à eux. La plage de sable fin à laquelle on ne peut accéder que par des passerelles en bois disposées à certains endroits s’étend à perte de vue sur des kilomètres.  Le temps est magnifique et les ‘Strandkörbe’ sont de sortie.  Le soleil s’apprête à se coucher, les ombres laissées par les fauteuils de plage s’allongent de plus en plus et fait marquant, la plage est quasiment vide. C’est qu’en fait, il fait un froid de canard, le vent d’ouest souffle très fort, il n’y a qu’à regarder les vagues de sable fin. Nous ne sommes probablement pas encore en haute saison. Alors à quoi peuvent bien servir ces fauteuils en osier disposées là par dizaines ? Il est coutume de les utiliser pour se protéger du vent. Par vent fort, ils sont pratiquement tous orientés vers les dunes. Les deux poignées latérales permettent de les transporter et de les tourner dans l’orientation voulue. Le dossier peut être incliné et à l’avant deux tiroirs peuvent être ouvert pour pouvoir  allonger ses jambes et y ranger ses effets personnels. Au-dessus, un rideau peut être descendu pour réduire la prise au vent et se protéger du froid. En été, la température moyenne ne dépasse pas 17 ° et la sensation de fraîcheur est renforcée par le vent qui souffle en permanence. Pour capter les rayons de soleil et en même temps se protéger du vent, ils sont orientés en direction du soleil, mais attention aux brûlures ! Les fauteuils de plage sont loués à la journée ou à la semaine. Certains particuliers les achètent pour les placer dans leur jardin. Ils sont très appréciés pour leur aspect décoratif, il en existe de toutes les couleurs, mais aussi pour leur confort. Et puis ça fait partie de la tradition de l’île.

Le loup dans les Vosges

Deux ans après l'installation d'un couple de loups dans les Vosges, la récente naissance de louveteaux pourrait marquer le retour durable de l'animal dans le massif, plus de 80 ans après sa disparition, au grand dam des éleveurs qui jugent la cohabitation avec le canidé impossible. Fin août, les équipes de l'Office national de la chasse et de la faune sauvage (ONCFS), ont authentifié la présence de louveteaux, grâce à la technique des hurlements. Aussi originale qu'efficace, la méthode consiste à ce que les agents imitent le cri du loup à l'aide d'un cône de chantier, principalement le soir, lorsque les loups partent chasser. Selon l'ONCFS, "des cris caractéristiques plus aigus que ceux du couple" ont établi la présence de louveteaux, sans toutefois pouvoir en déterminer le nombre. Les portées comptent généralement trois à quatre petits. Anthony Kohler, porte-parole du réseau local FERUS pour la conservation du loup et spécialiste de l'animal, est raisonnablement optimiste. "Les Vosges sont un habitat favorable au loup, et il pourrait y demeurer. Mais ça n'est pas encore certain", tempère-t-il. Il faudra attendre deux à trois ans pour que les jeunes louveteaux deviennent en âge de se reproduire et il est fort probable qu'ils soient dispersés d'ici là. "Il faudrait donc que le couple se reproduise à nouveau l'année prochaine, et qu'il ne soit évidemment ni tué, ni qu'il parte, par exemple en Allemagne, pour qu'on puisse parler d'installation durable", explique le spécialiste. Par ailleurs, les louveteaux restent particulièrement vulnérables au cours de leur première année. La maladie, la malnutrition ou la prédation par d'autres animaux entraînent le décès de 60% d’entre eux au cours de cette période. Si certains comme M. Kohler se réjouissent de ces naissances et de cette installation vraisemblablement durable de l’animal, c’est loin d’être le cas des éleveurs, qui dénombrent environ 200 brebis égorgées depuis 2011. Pour protéger leurs troupeaux, certains adoptent un patou, un chien originaire des Pyrénées et qui fait fuir les loups. Mais ce chien est également agressif vis-à-vis des randonneurs qu'il peut suivre, l'air menaçant, durant des kilomètres. "Dès qu'elle me reconnaît, elle s'arrête. Sinon, que ce soit un humain ou un animal étranger, elle attaque", décrit Jean-Yves Poirot, éleveur de brebis à La Bresse. Le "Plan loup" 2013-2017 entré en vigueur au printemps dernier autorise les éleveurs à abattre en tout 24 loups sur 250, bien qu'il s'agisse normalement d'une espèce protégée. Dans les Vosges, seul des tirs de défense à canon lisse, peu susceptibles de tuer, ont été autorisés par le préfet. Néanmoins, beaucoup refusent totalement la cohabitation. Pour le maire de La Bresse, Guy Vaxelaire, "s'habituer à vivre avec le loup, c'est une hérésie". Pour les éleveurs de brebis, seule l'éradication est envisageable. La cohabitation s’annonce donc difficile. Source : Le Nouvel Observateur, sept 2013

Forêt en automne

Chevaux de Camargue au galop

Le Camargue est une race de petit cheval de selle rustique à la robe grise, originaire de la région du même nom, au sud de la France dans le delta du Rhône, sur les départements du Gard et des Bouches-du-Rhône. Ce cheval vit traditionnellement en liberté dans ses marais d'origine et sa généalogie reste mystérieuse, bien qu'il soit considéré comme l'une des plus anciennes races du monde. Mentionné dès l'Antiquité romaine, le Camargue est occasionnellement une monture de bât et de guerre jusqu'au XIIe siècle. De tous temps, il vit en liberté et parfois est utilisé par les hommes comme animal utilitaire et de travail. Les habitants de Camargue lui font dépiquer le grain, tirer des attelages et le montent, entre autres, pour travailler avec le bétail, avant de le relâcher en semi-liberté. Les haras nationaux instaurent, dès leur création, de nombreux programmes d'élevage visant à augmenter sa taille par des croisements pour en faire une monture de guerre, programmes qui se soldent tous par des échecs. Après une période de déclin durant la première moitié du XXe siècle, le cheval Camargue est désormais devenu une race de selle reconnue par les haras nationaux français et surtout l'un des symboles forts de sa région d'origine, avec le taureau noir et le flamant rose. Il est traditionnellement élevé en semi-liberté dans des manades, monture exclusive des gardians de la région qui l'utilisent pour le travail du bétail et de nombreuses fêtes populaires. Le cheval Camargue bénéficie d'une grande notoriété grâce à l'équitation camarguaise et à sa forte image de tradition et de liberté née de sa présence dans les arts et la littérature, notamment dans l'histoire de Crin-Blanc. (extraits Wikipedia)
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Deux oeuvres de l'artiste peintre Berthe Morisot

Berthe Morisot - Autoportrait
Berthe Morisot - Roses trémières

Le chacal

Le chacal (pluriel : les chacals) est le nom désignant plusieurs espèces de petite ou moyenne taille de la famille des Canidés tels que le loup et le chien. Les chacals vivent en Afrique et en Asie. Ils occupent une niche écologique semblable à celle du coyote en Amérique du Nord. Ils peuvent parfois se joindre à un petit groupe, mais ils chassent généralement seuls. Leur nourriture est composée principalement de charognes et de fruits. Ils chassent de petites proies : petits mammifères, insectes, grenouilles, lézards et oiseaux. Pour se reconnaître, les chacals à chabraque glapissent (cependant parfois hurlent), tandis que les chacals dorés hurlent (cependant parfois glapissent). Ces derniers émettent une sorte de reniflement à l'approche d’un danger. Les deux espèces poussent de longs hurlements perçants tout en courant, entrecoupés d’aboiements très courts, qui servent à rassembler la meute avant la chasse. Le chacal rayé est plus silencieux. D’une voix basse, il émet des glapissements ou des aboiements.

Papillon motif art floral abstrait sur fond d'horloge, image animée

Papillon au motif art floral abstrait multicolore sur fond d'horloge. Les couleurs changent toutes les 5 secondes, l'horloge ne sert que d'arrière-plan et revient à la position initiale après 120 secondes. Réalisation effectuée avec Illustrator pour le dessin et Photoshop pour l'animation. Vidéo au format Gif libre de droits. Le format Gif présente l'avantage d'une vidéo dont le poids ne représente que 2,73 Mo, en revanche l'image présente une perte très nette de la qualité, ici particulièrement au niveau des couleurs.

Ourson brun

Angelina Jolie

Cézanne et la Provence

Cézanne et la Provence À Paris, Cézanne rencontre les impressionnistes et surtout Camille Pissarro avec lequel il devient ami. Il présente quelques œuvres aux expositions impressionnistes, mais il est découragé par l'accueil peu favorable et préfère quitter Paris. Cézanne s'éloigne peu à peu du groupe impressionniste pour revenir et s'isoler dans sa Provence natale. Après la mort de son père, il touche l'héritage familial qui lui permet de peindre tranquillement sans se soucier des ventes. Seul, il va développer un art à lui, très différent. Si la critique n'est pas toujours favorable, les peintres de l'époque, eux voient son génie. Son motif préféré est  bien sûr la Provence et ses paysages et,  en particulier, la Montagne Sainte-Victoire qu'il peint inlassablement. Cézanne veut, comme les grands maîtres tels que Poussin, mettre de l'ordre. Il peint ses impressions en plein air, mais organise son paysage par la suite chez lui. Comme il le dit lui-même, il veut "faire du Poussin sur nature". Il utilise des formes géométriques imbriquées pour représenter les éléments du paysage. Il déconstruit puis reconstruit le paysage. La toile, à la fin, est sa vision personnelle de la montagne. Cézanne réalise aussi plusieurs 'nature morte'. La 'nature morte' disait-il, est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes. "Quand la couleur est à sa puissance, la forme est à sa plénitude". L'exposition, le Grand Atelier du Midi En 2013, s’ouvre au cœur de Marseille-Provence, capitale européenne de la culture, l’exposition 'le Grand Atelier du Midi'. Cette exposition se déroule au Palais Longchamp à Marseille et au musée Granet d’Aix-en-Provence, réunissant près de 200 chefs-d’œuvre de la peinture entre 1880 et 1950-1960.  À partir de deux figures tutélaires de la modernité, Vincent Van Gogh et Paul Cézanne, les œuvres présentées cherchent à expliciter comment le Midi, au sens large a été un fabuleux laboratoire pour l’élaboration de la modernité en peinture. Le volet Aixois aborde la question de la forme et trouve naturellement sa référence à Cézanne,  « père » de l’art moderne tel que le considéraient Braque, Matisse ou Picasso. Le volet marseillais du Grand Atelier du Midi est centré sur la question du flamboiement et de l’arbitraire de la couleur, depuis le Van Gogh arlésien jusqu’aux fauves et à Bonnard. Nombreux sont les artistes du XXe siècle qui se sont référés soit à Van Gogh pour l’expression du moi par l’exaltation de la couleur, soit à Cézanne pour la recherche sur la forme comme réalisation de la quête d’une « harmonie parallèle à la nature ». « Je crois donc qu’encore après tout l’art nouveau est dans le Midi » écrivait Van Gogh. Parmi les artistes exposés : Cézanne et Van Gogh, mais aussi Monet, Picasso, Matisse, Renoir, Dali, Bonnard, Braque, Signac, Soutine, Vallotton, Dufy, Camoin, Derain, Manguin, Gauguin, Man Ray, Modigliani.
Maisons en Provence connue également sous le nom :"Maisons à l'Estaque".

Paul Cézanne

Paul Cézanne ( 1839-1906) est un peintre français, membre du mouvement impressionniste, considéré comme le précurseur du cubisme. Il est l'auteur de nombreux paysages de Provence, et particulièrement de la campagne d'Aix-en-Provence. Paul Cézanne se lie d'amitié avec Émile Zola. Il entreprend sans enthousiasme des études de droit à l'Université d'Aix. Il suit des cours à l'École de dessin d'Aix-en-Provence et aménage un atelier au Jas de Bouffan, résidence que son père a achetée. Il se rend une première fois à Paris en avril 1861, poussé par son ami Émile Zola, mais n'y reste que quelques mois et retourne dans le domaine familial à l'automne, inaugurant ainsi une série d'allers retours entre la ville-lumière et la Provence. En 1862, il travaille à l'Académie de Charles Suisse et y rencontre Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Alfred Sisley et un autre Aixois, Achille Emperaire, dont il fera plus tard un portrait, resté célèbre. Il est refusé à l'École des beaux-arts en raison d'un tempérament jugé par trop excessif. Sa première exposition personnelle, organisée par le marchand de tableau Ambroise Vollard en 1895 en l'absence du peintre, se heurte encore à l'incompréhension du public, mais lui vaut l'estime des artistes. Sa renommée devient internationale et il remporte à Bruxelles un grand succès lors des expositions des Indépendants. Parmi ceux des peintres du XIXe siècle rangés sous l’étiquette « impressionnistes », l’œuvre de Cézanne est au-delà de l'impressionnisme et donc probablement le plus difficile et celui qui fut et reste encore aujourd'hui le plus mal compris, voire le plus controversé. Ce sont ses amis peintres, notamment Pissarro, Renoir et Degas qui surent, les premiers, déceler ses intentions et reconnaître ses qualités. Cézanne  ne cesse de se recommander de la nature : « L’étude réelle et précieuse à entreprendre c’est la diversité du tableau de la nature » ; « j’en reviens toujours à ceci : le peintre doit se consacrer entièrement à l’étude de la nature, et tâcher de produire des tableaux qui soient un enseignement. » Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il. Son œuvre comprend environ trois cents tableaux.
La Seine à Bercy - 1876

Georges Braque et le Cubisme

Le Cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé principalement de 1907 à 1914 à l'initiative des peintres Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier et Fernand Léger. La période la plus innovante du Cubisme fut avant 1914. Après la Première Guerre mondiale, avec le soutien apporté par Léonce Rosenberg, le Cubisme redevient une question centrale pour les artistes, et continue en tant que telle jusqu'au milieu des années 1920, lorsque son statut d'avant-garde est rendu douteux par l'avènement de l'abstraction géométrique et du surréalisme. Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes et Metzinger, tout en développant d'autres styles, retournent périodiquement au Cubisme, même bien après 1925. Le terme Cubisme provient d'une réflexion d'Henri Matisse, relayée par le critique d'art Louis Vauxcelles, qui, pour décrire le tableau de Braque - Maison à l' Estaque ( 1908) - , parla de « petits cubes ». Auparavant, dans un contexte similaire, le critique Louis Chassevent, dans son article de 1906 sur "Les Artistes indépendants", définit alors Jean Metzinger comme "un mosaïste comme Signac, mais il est plus précis dans sa découpe des cubes de couleurs, qui semblent avoir été fabriqués par une machine". Le Cubisme prend sa source dans une lettre de Cézanne à Émile Bernard, du 15 avril 1904, de laquelle sera tirée une phrase souvent répétée pour justifier les théories cubistes : « Traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective, soit que chaque côté d'un objet, d'un plan, se dirige vers un point central. » Cependant la suite de cette phrase est souvent occultée : « Les lignes parallèles à l'horizon donnent l'étendue, soit une section de la nature ou, si vous préférez, du spectacle que le Pater Omnipotens Aeterne Deus étale devant nos yeux. Les lignes perpendiculaires à cet horizon donnent la profondeur. Or, la nature, pour nous les hommes, est plus en profondeur qu'en surface, d'où la nécessité d'introduire dans nos vibrations de lumière, représentées par les rouges et les jaunes, une somme suffisante de bleutés, pour faire sentir l'air ». Le Cubisme est sans doute le mouvement le plus décisif de l’histoire de l’art contemporain. Héritant des recherches de Cézanne sur la création d’un espace pictural qui ne soit plus une simple imitation du réel et des arts primitifs qui remettent en cause la tradition occidentale, le Cubisme bouleverse la notion de représentation dans l’art. Comme le dit John Golding, historien de l’art et spécialiste de ce mouvement, « le Cubisme est un langage pictural absolument original, une façon d’aborder le monde totalement neuve, et une théorie esthétique conceptualisée. On comprend qu’il ait pu imprimer une nouvelle direction à toute la peinture moderne ». (Extraits Wikipedia).

Ferrari 2013

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Ferrari 2013 - Avant
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Ferrari 2013 - Arrière
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Bar Rafaeli - mannequin israélien

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Berthe Morisot au bouquet de violettes, d'Edouard Manet

La guerre franco-prussienne et la Commune ont profondément marqué Edouard Manet.(voir la présentation de l'artiste dans un précédent article qui lui est consacré "Un bar aux Folies Bergère" jeudi 26 septembre 2013). Resté à Paris, il a servi dans la garde nationale et son activité artistique s'en est trouvée inévitablement ralentie. A la fin de l'année 1871, il se remet à peindre et retrouve alors ses anciens modèles dont Berthe Morisot, jeune peintre avec qui il partage une amitié profonde et qui épousera l'un de ses frères quelques années plus tard. Plutôt que d'utiliser un éclairage homogène, comme souvent dans ses portraits, Manet préfère ici projeter sur son modèle une lumière vive et latérale, si bien que Berthe Morisot ne semble être qu'ombre et lumière. Ici avec les yeux noirs, ils étaient en réalité verts, elle est habillée et coiffée de noir, sans doute la meilleure façon d'exalter cette beauté "espagnole" remarquée dès sa première apparition dans l'œuvre de Manet en 1869. Avec cette sublime variation sur le noir, Manet livre une nouvelle preuve de sa virtuosité. Mais peut-être donne-t-il également un avertissement à sa jeune disciple en lui rappelant l'étonnante puissance des noirs, alors qu'elle peignait de plus en plus clair et filait droit sur le chemin de l'impressionnisme. Ce portrait étrange et envoûtant a rapidement été considéré par ses proches comme un des chefs-d'oeuvre du peintre. Paul Valéry en fait également l'éloge en 1932, dans sa préface au catalogue de la rétrospective de l'Orangerie. "Je ne mets rien", écrit-il, "dans l'œuvre de Manet, au-dessus d'un certain portrait de Berthe Morisot, daté de 1872". (extraits Musée d'Orsay - Paris).

Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872) Huile sur toile - L. 40 cm, H. 55 cm - Musée d'Orsay - Paris